Un ocho de diciembre de 1980 muere asesinado John Lennon. En su cuerpo hay siete orificios de bala, tres dieron en su pecho (una destrozó parte del corazón y dos le pulverizaron el brazo izquierdo al salir por su costado) y las otras dos lo hirieron en la espalda y perforaron sus pulmones. Muere una leyenda.
Este extraño 2020, la memoria de John Lennon está más viva que nunca, ya que se cumplen ochenta años de su natalicio, cuatro décadas de su asesinato en Nueva York, sesenta años de la creación de los Beatles y cincuenta de la disolución de la mejor y más famosa banda de la historia.
Otro ocho de diciembre, catorce años después, quedará para siempre tristemente marcado en la historia de la música, pues ese día se desencarnaba el mayor compositor brasileño de nuestro tiempo: Antonio Carlos Jobim…Tom.
Pero Tom y John no solamente están unidos por compartir la misma fecha de su muerte, sino por ser dos músicos fundamentales del siglo XX. Ambos influyeron de manera trascendental toda la música. Desde La Quinta Disminuida, le rendí un homenaje a través de sus composiciones, interpretadas por músicos que supieron amalgamar sus melodías con acordes y ritmos del mundo del jazz.
Este programa lo hice exactamente hace diez años, pero el espíritu del programa y la magia de la música de John y Tom, permiten que una década después siga vigente.
Imagine – Gonzalo Rubalcaba
Love – BeatleJazz
Beautiful Boy – BeatleJazz
Cold Turkey – Freddie Hubbard
Woking Class Hero – BeatleJazz
Imagine – Herbie Hancock
How Insensitive – Bireli Lagrene
Saudade Do Brasil – Bill Evans
A Felicidade – Lew Soloff
Años Dorados – Joanne Brackeen
Sinfonía do Rio de Janeiro/Noites do Rio – Tom Jobim Billy Blanco
Este programa será una especie de continuación del programa anterior dedicado al gran Duke Ellington. En este caso, para la sesión de hoy escucharemos algunos de sus más importantes encuentros con otros maestros del jazz, es decir grabaciones en las cuales el Duque haya compartido las decisiones y el liderazgo con otro maestro. A diferencia del anterior programa, donde todos los temas estaban compuestos por Ellington, en este podría ser que algunos de los que escuchemos no hayan sido compuestos por él, pero con toda seguridad que los arreglos y la ejecución del piano estarán a su cargo. Por otra parte, y también a diferencia del anterior programa, en este escucharemos los temas de manera cronológica (con una pequeña excepción). Los temas e intérpretes elegidos para esta sesión son los siguientes:
Honeysuckle Rose – Duke Ellington/Django Reinhardt
I Ain’t Got Nothing but the Blues – Duke Ellington/Ella Fitzgerald
Cotton Tail – Duke Ellington/Ella Fitzgerald
If You Were in My Place – Duke Ellington/Rosemary Clooney
Loveless Love – Duke Ellington/Johnny Hodges
Just Squeeze Me – Duke Ellington/Johnny Hodges
Azalea – Duke Ellington/Louis Armstrong
Duke´s Place – Duke Ellington/Louis Armstrong
Take the «A» Train – Duke Ellington/Count Basie
Self Portrait (Of the Bean) – Duke Ellington/Coleman Hawkins
Limbo Jazz – Duke Ellington/Coleman Hawkins
Wig Wise – Duke Ellington/Charles Mingus/Max Roach
In a Sentimental Mood – Duke Ellington/John Coltrane
The Feeling of Jazz – Duke Ellington/John Coltrane
Yellow Days – Duke Ellington/Frank Sinatra
Poor Butterfly – Duke Ellington/Frank Sinatra
The Blues – Duke Ellington/Ray Brown/Joe Pass/Louis Bellson
Ahora sí, se fue de este mundo para siempre el músico que pasó la mayor parte de su vida yéndose, Joao Gilberto. El enigma más indescifrable de la música popular, genio del susurro, apenas percibido y absolutamente imprevisto. Su cantar suave, tímido, su batida en la guitarra, de un ritmo de matemática incalculable, su dulce fraseo cantado-hablado, su melancolía terminal, formulada con trazos tenues hasta el desconcierto, toda su música exige ser atravesada como una experiencia paradojal. “Quien oye esas canciones debe poner de su parte casi tanto como quien las interpreta. No hay manera de desconcentrarse sin perder lo esencial. Porque lo esencial tiene que ver, precisamente, con los detalles casi imperceptibles”.
Joao es uno de los pocos artífices de la bossa nova, una irrupción en la escena que necesitó de muy pocos discos para cambiar todo para siempre, expresión de un refinamiento modernista irrepetible.
Joao Gilberto murió a los 88 años el sábado 6 de Julio, a eso de las tres de la tarde, en su departamento de la Rua Carlos Góes, 234 número 802, del barrio de Leblon en Rio de Janeiro. En el último tiempo y por motivos relativos a su vida personal y financiera en relación con su familia, João estaba triste, frágil, enflaquecido, y lo peor de todo, sin ganas de aquello que siempre había amado, tocar su guitarra. Joao Gilberto se fue apagando de a poco, como terminaban casi todas sus canciones.
La música del Brasil –el samba, la bossa nova, el choro, la MPB y otras- siempre ha ejercido una importante influencia en los músicos de jazz convirtiéndose en una fundamental fuente de inspiración para la interpretación de temas clásicos, como también de nuevas composiciones. En este programa escucharemos a grandes maestros del jazz en interpretaciones de temas del gran Antonio Carlos Jobim y también de músicos de la generación posterior como Chico Buarque, Egberto Gismonti, Ivan Lins, Milton Nascimento, Caetano Veloso y Djavan.
Nació un 9 de junio de 1891 en Peru, Indiana, y fue el único hijo que sobrevivió de la pareja formada por Samuel Fenwick Porter, un droguero, y Kate Cole una joven de familia rica e influyente. El padre de Kate quería para su hija un marido a la altura de su hacienda, pero esta se enamoró del tímido empleado de una droguería. A pesar de todo, el abuelo ayudó al matrimonio financieramente y después se encariño con su nieto, que tomó su nombre del apellido materno. A los seis años, el joven músico comenzó a tocar el piano y el violín, aunque terminaría decidiéndose por el primero por considerar demasiado estridente al instrumento de cuerda. Su madre fue estricta con su educación, haciéndolo practicar dos horas diarias de piano. Para suavizar lo tedioso del estudio, madre e hijo se divertían interpretando canciones tradicionales, lo que enfurecía al abuelo que quería que Cole fuese concertista de piano. A los 14 años el joven Cole Porter entró en la Academia Worchester de Massachusetts, donde profesores y alumnos apreciaron con rapidez el carácter alegre y festivo de Cole, que a aquellas alturas de la vida ya había aprendido de su profesor de música una lección que marcaría su carrera futura: “La letra y la música deben estar tan unidas que parezcan una sola”. En esta sesión de la quinta disminuida, les contaré mucho más de la vida y obra de ese gran compositor llamado Cole Porter, quizá el escritor de canciones más importante del siglo XX, un hombre que gracias a la cultura, la inteligencia y al dinero, supo hacer de una existencia destinada al sufrimiento una de las más hermosas biografías.
What Is This Thing Called Love – Dave Brubeck
Love For Sale – Cannoball Adderley
Night And Day – Frank Sinatra
Just One of Those Things – Gil Evans
I Love You – Joe Pass
Easy to Love – Hank Jones
I Get a Kick Out of You – Clifford Brown/Max Roach/Harold Land
I’ve Got You Under My Skin – Joe Henderson
You’d Be So Nice to Come Home To – Art Pepper
In the Still of the Night – Johnny Griffin
Ev’ry Time We Say Goodbye – Sonny Rollins
Begin the Beguine – Artie Shaw
It’s All Right with Me – Jimmy Smith Trio
I Concentrate on You – J.J Johnson and Kai Winding
All of You – Tony Bennett
From This Moment On – Johnny Griffin/Eddie «Lockjaw» Davis
Django Reinhardt es seguramente el músico que más ha revolucionado el sonido de la guitarra y perfeccionado su técnica rítmica y armónica, en la misma época que Charlie Christian en Norteamérica pero con un impacto mucho mayor. Vino al mundo un 23 de enero de 1910 en la ciudad belga de Liberchies en una familia de músicos itinerantes manouches (nombre con el que se conoce a los gitanos franceses) Su padre tocaba el violín y el piano con sus siete hermanos, recorriendo las carreteras de Bélgica, Francia, Italia e incluso Argelia durante la Gran Guerra. En aquel universo nómada, los niños se crían rodeados de adultos y no asisten al colegio, toda información es transmitida de padres a hijos, Django no sabe leer ni escribir, obviamente tampoco lee música, la aprende observando, memorizando y repitiendo las mismas frases una y otra vez.
Los jóvenes manouches, a pesar de su analfabetismo, tienen una sólida educación musical que aborda al mismo tiempo la música popular y la clásica a través de los valses rumanos. Django aprende a tocar al mismo tiempo el banjo y el violín. La orquesta familiar actúa en las mansiones de las familias adineradas, los salones de baile musette (que es la música tocada en acordeon de moda en París) y en animadas Guinguettes (tabernas populares parisinas).
Django prefiere el banjo al violín, mostrando una habilidad excepcionalmente precoz en el instrumento interpretando valses de gran dificultad técnica en los que se anima a improvisar en el grupo de Gusti Malha. Se familiariza con los acordes de sexta, séptima disminuida, séptima menor, novena y quinta aumentada. A los doce años comienza a tocar en pequeños bistrots de la zona de la porte de italie. Al mismo tiempo que el vals, Django aprende a tocar foxtrots y One Steps, bailes de moda de la época. La reputación de Django crece rápidamente, a los 16 años pasa a ser el músico más disputado por los directores de orquesta como Jean Vaissade.
En el otoño de 1928 Django actúa regularmente en el salón de baile La Java. Una de esas noches es descubierto por el director de orquesta británico Jack Hilton, quien le ofrece un puesto en su banda y le asegura un futuro lleno de grandes posibilidades. Django acepta la proposición, abandona la sala y regresa a su caravana que estaba llena de flores artificiales ya que su primera esposa Florine «Bella» Mayer se dedicaba a la venta ambulante de flores artificiales. Era la una de la madrugada de un 2 de noviembre de 1928, Django está a punto de acostarse cuando su esposa voltea accidentalmente una vela y se produce un terrible incendio en la carreta donde vivían. Django y su esposa quedan envueltos en llamas y escapan a la muerte de puro milagro. Django es rápidamente llevado al hospital Lariboisiere en Paris donde se le observan graves quemaduras en la mano izquierda y todo el costado derecho, entre la pelvis y la rodilla. A pesar del riesgo de gangrena, el músico no permite que le sea amputada su pierna. Su sufrimiento es espantoso. Permanece 18 meses en el hospital, y después de volver a su hogar, nuevamente es vuelto a hospitalizar, esta vez en el hospital Saint-Louis, donde se le somete a una operación para salvarle la pierna, pero el estado de su mano no es nada favorable perdiendo la movilidad en los dedos anular y meñique de la mano izquierda. A pesar de ello su hermano Joseph le regala una guitarra con la que Django inicia una decidida, aunque dolorosa, re-educación musical. Inventa una técnica que le permite tocar sin los dedos inutilizados y en tan solo seis meses consigue recuperar toda su destreza.
Miss Columbia – Victor Marceau/Django Reinhardt
Presentation Stomp – Michel Warlop Et Son Orchestre
Dinah – Quintete du Hot Club de France
Stardust – Coleman Hawkins
Djangology – Quintete du Hot Club de France
I Can´t Give Anything But Love – Quintete du Hot Club de France
Minor Swing – Quintete du Hot Club de France
J’attendrai – Quintete du Hot Club de France
Sold Old Man – Rex Stewart and his Feetwarmers
I See You In My Dreams – Django Reinhardt
H.C.Q Strut – Quintete du Hot Club de France
Tears – jango’s Music
Manoir de Mes Rêves – Django Reinhardt
Echoes Of France – Quintete du Hot Club de France
Ride Red Ride – Django Reinhardt/Duke Ellington
Brazil – Django Reinhardt
Insensiblement – Django Reinhardt
Keep Cool – Django Reinhardt
Nuages – Django Reinhardt
Decaphonie – Django Reinhardt
Melodie Au Crepuscule – Bireli Lagrene
Speevy – Angelo Debarre
Billets Doux – Adrien Moignard
I Remember Django – Barney Keasel/Stephane Grapelli
En este programa no haremos un viaje histórico de cómo fue que la guitarra se introdujo en el jazz, sino más bien elegí a quince guitarristas que considero importantes e influyentes en el desarrollo de este instrumento.
Pero, para que el programa sea más concreto voy a plantearles las siguientes características que me permitirán redondear mucho más esta temática: La primera: solamente nos enfocaremos en la guitarra eléctrica. La segunda: será la guitarra eléctrica en el jazz. La tercera: escucharemos a quince guitarristas fundamentales que influyeron en la guitarra de jazz tocando un standard y la cuarta que como de costumbre se quedaron fuera muchos grandes guitarristas que no entraron en mi lista por un problema del tiempo del programa. Así que me hago absoluto responsable por haber dejado afuera a alguno que ustedes consideren fundamental en la historia del jazz.
Y la última característica de esta temática es que los escucharemos dialéctica y cronológicamente, pero no por el año de grabación, sino por el año de su nacimiento.
El 1 de junio de 2017 fue una fecha importante para todos los amantes de la música, de todos los géneros y estilos, porque esa fecha (hace cincuenta años) salía al mercado un disco fundamental en la historia del siglo veinte. La obra cumbre de los Beatles, el álbum Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band.
Pedro Aznar, el gran músico argentino opina del Sgt. Pepper que: “Más que un disco de rock, más que una obra musical. Pepper es un manifiesto. La primera canción que se grabó para el álbum terminó no estando incluida, sino que se lanzó por separado en un simple con dos caras A: Strawberry Fields Forever (que traía en su otro lado a Penny Lane). Esa canción define y da marco al rock psicodélico, con iguales dosis de experimentación sonora, poética ligada a imágenes de infancia y guiños cómplices sobre realidades paralelas y estados de conciencia amplificada.
Más allá de (o precisamente por) las implicancias lisérgicas, Pepper fue, por la apertura revolucionaria que representaba, la banda sonora del así llamado “Verano del Amor”, en 1967. Acompañó la explosión del movimiento hippie y el lema de “Paz y Amor”, el rechazo a la cultura del consumismo, el involucramiento político de los estudiantes, las marchas en contra de la guerra de Vietnam, los movimientos de liberación femenina y de las minorías raciales y sexuales. El mundo no sería el mismo. Aquel sonido como venido del centro de la tierra y que explotaba en las estrellas del crescendo orquestal de A Day in the Life marcó el fin de una era de inocencia, que también había sido una era de ignorancia y represión. El larguísimo acorde de innumerables pianos tocando al unísono que lo sigue, era un prolongado orgasmo que anunciaba mejores días por venir”.
En esta sesión de la quinta disminuida, haremos un homenaje a ese maravilloso álbum, contando las historias que están detrás de su grabación, de sus temas y de todo lo relacionado al mismo, pero los temas que escucharemos serán versiones jazzeras de ese álbum y de los predecesores del mismo.
Mujer, negra y pobre. Una combinación que en las primeras décadas del siglo veinte -y hasta la actualidad- trae consigo historias similares ya conocidas por todos. Salió de un reformatorio para convertirse en “La gran dama del jazz”. Su voz clara, precisa, cálida y natural sentó cátedra en el swing, el blues, el scat, la bossa nova, el samba, el gospel, el calypso, las canciones navideñas y el pop. Todo ello bajo el gran paraguas del jazz.
Las condiciones técnicas de Ella como cantante eran privilegiadas, su amplio registro vocal le permitía transtitar tranquilamente, gracias a su virtuosismo y su talento exuberante, entre el jazz instrumental y el jazz cantado: cuando uno escoge grandes improvisadores dentro del jazz, necesariamente tiene que estar Fitzgerald con el scat singing, esa manera de improvisar con onomatopeyas afinadas, con sílabas.
El martes 25 de abril se conmemoraron los cien años del nacimiento de Ella Fitzgerald nacida en Virginia, amada por el público, elogiada por la crítica, y quien se estableció en la memoria de los melómanos.
Heebie Jeebies – Boswell Sisters
Love And Kisses – Chick Webb Orchestra/Ella Fitzgerald
No me canso de decir que Antonio Carlos Jobim fue el compositor más importante que haya dado la música de Brasil y uno de los más grandes de la música popular del siglo XX, un compositor de la talla de Cole Porter o George Gershwin.
Tom Jobim, como lo llamaban sus amigos, calculaba haber escrito cerca de quinientas composiciones entre canciones, piezas instrumentales y tonadas. Sin lugar a dudas que es el más importante conjunto de composiciones producido en la música popular brasileña, él fue para la música popular lo que Villalobos para la erudita. Jobim estableció un modelo armónico en la Bossa Nova, que se amalgamó perfectamente con el ritmo de la “batida” de Joao Gilberto dando lugar a los temas más clásicos del género. Internacionalizó la canción brasileña y permitió que esta pasase a formar parte de la historia del jazz. Al contrario de uno de sus maestros de la música popular, como lo fue Caymi, Tom oyó a los maestros impresionistas antes de conocer la música de Gershwin y los standards del jazz, que fueron decantándose hasta llegar a ser un componente discreto pero fundamental. Sin lugar a dudas, uno de sus grandes méritos como compositor, fue el de trazar el aparentemente extraño camino que va de Dorival Caymmi a Claude Debussy, de Ary Barroso a Bach, de la intuición a la deconstrucción.
Tema Jazz – Antonio Carlos Jobim
Lamento – Antonio Carlos Jobim
Wave – Antonio Carlos Jobim
Triste – Antonio Carlos Jobim
God And The Devil in The Land of The Sun – Antonio Carlos Jobim
Corcovado – Antonio Carlos Jobim/Elis Regina
Chovendo Na Roseira – Antonio Carlos Jobim/Elis Regina
Falando de Amor – Antonio Carlos Jobim/Miucha
Anos Dourados – Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque
Agua de Beber – Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes
Fly Me To The Moon – Antonio Carlos Jobim/Frank Sinatra
O Samba De Amanhã – Antonio Carlos Jobim/Billy Blanco